Do bodies dream of electromagnetic organs?, de Esther Rodríguez-Barbero. Créditos: Esther Rodríguez-Barbero
ARS ELECTRONICA GARDEN BARCELONA EXHIBITION PROGRAMME
Fecha: del 8 al 12 de septiembre del 2021
Horario: 11 a 20:30 h
Lugar: Canòdrom-Ateneo de Innovación Digital y Democrática. C/Concepción Arenal, 165. Barcelona
Entrada: libre. No es necesaria inscripción previa
Este programa expositivo se articula en torno a un proceso de sedimentación de largo aliento que surge de la colaboración transdisciplinar de centros de producción artística, universidades, centros científico-tecnológicos y laboratorios ciudadanos, que ha resultado en la concesión de cinco becas de investigación y producción artística a través de una convocatoria abierta y un proceso de selección colectivo. En ella, resultaron ganadores los proyectos de Anaisa Franco, Andy Gracie, Estampa, Esther Rodríguez-Barbero y Óscar Martín.
Durante las residencias de producción e investigación, los artistas entrelazan y sitúan sus respectivas prácticas en las intersecciones de los centros científicos (Barcelona Supercomputing Center, Instituto de Ciencias Fotónicas y Barcelona Institute of Science and Technology) asociados a Hac Te (hub de arte, ciencia y tecnología de Barcelona), junto con los centros de creación de artes visuales y de la danza (Hangar y La Caldera). Los procesos y algunos resultados de estas residencias se presentan ahora en Canòdrom, dentro del programa oficial de Ars Electronica 2021.
Junto a la presentación de las piezas inéditas de Anaisa Franco, Estampa, Esther Rodríguez-Barbero y Óscar Martín, la muestra propone una confluencia dialéctica con dos obras de la colección BEEP: una pieza histórica de Antoni Abad y una nueva producción de Stefan Tiefengraber. Bajo la cuestión central de la interdependencia y de la condición híbrida de nuestro tiempo, esta exposición es un intento de poner en valor los procesos iniciados por los artistas, con sus motivaciones y temáticas específicas, intersecciones disciplinares y líneas de investigación desde las que continuar los debates sobre los retos a los que nos enfrentamos.
OBRAS
Cambres fosques de la ideologia. Créditos: Estampa
Cambres fosques de la ideologia. Estampa. 2021
Cambres fosques de la ideologia es una investigación sobre las mediaciones tecnológicas que operan tras las imágenes. El objetivo de esta investigación es realizar una instalación en diferentes formatos audiovisuales. Por un lado, una proyección resultante de una cámara oscura, un instrumento óptico esencial para la ciencia y la producción de imágenes entre los siglos XVII y XIX y del que deriva la fotografía. Por otra parte, una serie de imágenes digitales en las que se hace visible la acción operativa de redes neuronales de detección de objetos, detección facial o detección de posición de los cuerpos. Ambos tipos de imágenes son producto de una mediación tecnológica. Cada uno nos habla de una época y de una manera de relacionarnos con las imágenes y con el mundo.
Marx se sirve de las cámaras oscuras para trazar una analogía con la ideología. La vocación de trascendencia de las ideologías queda reducida a un truco de ilusionismo en el momento en el que vemos el engranaje que las hace funcionar. Con las imágenes pasa lo mismo, basta con fijarse en el truco para dejar de creer en su eficacia como registro garantista de la realidad. Tanto los cuartos oscuros como las operaciones de detección en imagen de la IA, son mediaciones que imprimen en las imágenes una mirada (ideológica) que a menudo tiende a desaparecer de nuestros ojos. Este proyecto experimental está dirigido a las huellas de cada tipo de imagen por medio de la apertura de sus engranajes.
Estampa (ES). Grupo de realizadores, programadores informáticos e investigadores que trabajan desde una aproximación arqueológica a las tecnologías audiovisuales. Entre el cine experimental y el ensayo, entre el détournement y la ingeniería crítica, sus producciones se apropian de las herramientas que automatizan la vigilancia y la explotación, imaginando una pedagogía crítica para inteligencias artificiales. Han expuesto proyectos seleccionados en diferentes convocatorias de investigación y producción.
MMM AIR por Oscar Martin. Créditos: Oscar Martin / Desirée Quevedo
MMM [meta music machines]. Oscar Martin a.k.a noish. 2021
Meta Music Machines es un proyecto de investigación sonora y escultórica, entre otras cosas. Trata de desarrollar y construir un compositor sonoro no humano, una máquina/escultura que se inspira, se nutre y «aprende» de la música creada durante siglos por la cultura humana. Conectada a diferentes fuentes de archivos musicales digitales de todo el mundo, descargará, analizará, «aprenderá» y resintetizará nuevas creaciones sonoras a partir de los datos y patrones extraídos matemáticamente de esa música.
MMM es también una exploración de las posibilidades creativas y estéticas que ofrecen las nuevas tecnologías digitales, el aprendizaje automático y los ecosistemas globales de archivos y datos.
Más que un intento de crear una música «universalista», MMM se entiende como un sistema generativo musical que se inspira y utiliza la música humana como materia prima y que tendrá un carácter experimental. Entendiendo la música experimental como la búsqueda de nuevos territorios y experiencias estéticas sonoras que exploren nuevas texturas, estructuras rítmicas y formas de composición.
MMM_AIR es la segunda rama que se desarrollará para Ars Electronica Garden y se centrará en el análisis de las frecuencias melódicas y sonoras del material musical humano de entrada y explorará la creatividad de las técnicas de aprendizaje automático para crear modelos híbridos. Para la generación del sonido de la escultura, se investigarán las posibilidades de utilizar compresores de aire automatizados y tubos de diferentes longitudes donde resuenen las frecuencias sonoras.
Oscar Martin a.k.a noish (ES) es un artista sonoro e investigador independiente. Su práctica podría entenderse como un dispositivo de conocimiento donde arte, ciencia y tecnología se hibridan y convergen desde un enfoque poco ortodoxo y experimental. Desde la dimensión sonora, sus piezas proponen fomentar la escucha activa y ampliar nuestra percepción.
Su obra ha sido expuesta en el Museo Reina Sofía y CentroCentro de Madrid, en el Festival Piksel de Noruega, Sónar de Barcelona y en el Festival de la Imagen de Manizales en Colombia, entre otros.
Neuronnection por Anaisa Franco. Créditos: In-Generic
Neuronnection. Anaisa Franco. 2021
Neuronnection es una instalación interactiva que permite a las personas jugar y controlar las reacciones de la luz utilizando sus propios pensamientos dentro de una escultura de luz sensible paramétrica.
La instalación crea una interfaz con el cerebro que permite al usuario jugar con su mente. La creación de la forma y la interactividad se inspiró en cómo se crean nuestros pensamientos dentro de la mente, que proviene de la actividad de los neurotransmisores que generan señales eléctricas (sinapsis) en las neuronas vecinas, que se propagan como una onda a miles de neuronas, lo que lleva a la formación del pensamiento.
El usuario llevará el dispositivo Nextmind para interactuar con la obra. La interactividad de la instalación se produce cuando las personas miran patrones geométricos simples como triángulos, hexágonos y círculos dentro de la forma, que propagarán el movimiento de las luces siguiendo el lugar geométrico de sus pensamientos.
La idea principal del proyecto es sumergir y reflejar a los seres humanos dentro de sus propios pensamientos y permitirles controlar y jugar con su propia imaginación.
Anaisa Franco (BR) es una artista/arquitecta que crea interfaces que elaboran artísticamente una experiencia «afectiva» entre las personas y los materiales, creando simultáneamente nuevas formas y relaciones. Su producción sintetiza conceptos de psicología integrados en la fabricación digital paramétrica, mezclados con materiales tecnológicos disponibles en el mercado.
En los últimos años ha desarrollado obras para el espacio público, museos, medialabs, residencias y encargos a nivel internacional.
¿Sueñan los cuerpos con órganos electromagnéticos? Créditos: Esther Rodríguez-Barbero
¿Sueñan los cuerpos con órganos electromagnéticos?. Esther Rodríguez-Barbero. 2021
¿Sueñan los cuerpos con órganos electromagnéticos? es una instalación performativa construida con sensores de movimiento que reflexiona sobre la relación entre el cuerpo y los dispositivos biomédicos electromagnéticos implantados. Aborda las alteraciones en términos de percepción, autopercepción, movimiento y relaciones espaciales que aparecen tras algunas experiencias en las que se suspende el estado de conciencia. Propone un entorno construido en el que se abordan algunas de estas narrativas realizando algunas alteraciones en la forma en que percibimos el tiempo y el espacio.
La instalación funciona como una extensión de estos dispositivos que algunos cuerpos tienen que llevar en la vida diaria y las relaciones que aparecen entre ellos. Se cuestionan algunos términos investigando sobre la bioética, la política del cuerpo, el cyborg y cómo nos relacionamos con la alteridad y lo desconocido. Se construye en torno a la pregunta, ¿qué es «lo que hay»?
Esther Rodríguez-Barbero (ES) es coreógrafa, performer, arquitecta e investigadora de las artes. Su trabajo opera entre la coreografía, la performance y la arquitectura, utilizando principios de estas disciplinas para diseñar prácticas artísticas y sociales. Especializada en danza contemporánea junto con estudios de arquitectura, obtuvo un Máster en Práctica de Artes Escénicas y Cultura Visual por la UCLM-Museo Reina Sofía y un postmaster en a.pass (estudios avanzados de performance y escenografía) en Bruselas.
Th-50ph10ek – Wall. Créditos: Stefan Tiefengraber
TH-50PH10EK – WALL. Stefan Tiefengraber. 2021
El título de la obra hace referencia a la designación del dispositivo de la pantalla de plasma utilizada. Se trata de un dispositivo común que se ha utilizado durante muchos años en contextos de exposiciones y eventos. Sin embargo, este monitor se ha quedado obsoleto debido a los recientes avances tecnológicos. Con la instalación TH 50PH10EK – WALL, este objeto se transforma de portador de arte en obra de arte.
Un monitor de plasma de 50 pulgadas se instala como un péndulo, que se balancea libremente en la pared después de ser activado. En cuanto el monitor se detiene, se tira de él hasta su posición original con la ayuda de un cabrestante y se le hace oscilar de nuevo, tirando de una cuerda, un acto performativo que no puede tener lugar sin la intervención humana y que implica al supervisor de la exposición en la instalación. Cada ciclo finaliza cuando el monitor se ha detenido y su movimiento no produce sonido ni vídeo. El sonido se genera por la amplificación de la fricción a la que está sometida la parte trasera del monitor sobre la pared. La visualización en la pantalla es una traducción directa de la señal de audio analógica en una señal de vídeo analógica. La tensión y la frecuencia se representan, por un lado, mediante un altavoz sonoro y, por otro, como líneas blancas horizontales parpadeantes en el propio monitor. La señal no se procesa, por ejemplo, mediante un ordenador o un dispositivo de efectos.
En sus obras, Tiefengraber juega con el significado de la función de los dispositivos y objetos utilizados, rompe con sus fines predeterminados y los modifica. Este enfoque experimental y la exploración de viejas y nuevas tecnologías y su combinación también se encuentran en la obra que aquí se presenta.
Descripción técnica
Instalación cinética de sonido y vídeo.
Pantalla de plasma, cabrestante, micrófono, amplificador, articulación giratoria, cable de acero, altavoz.
Stefan Tiefengraber (AT). Su obra abarca desde instalaciones sonoras cinéticas hasta actuaciones sonoras de audio y vídeo. Tiefengraber experimenta con la modificación de dispositivos fabricados originalmente para diferentes fines. Combinado con la percepción del público, este intento experimental de explorar materiales antiguos y nuevos le lleva a resultados nuevos e imprevisibles.
La obra del artista ha sido expuesta en el Ars Electronica Festival 2019, Linz, Galerie gerken, Berlín, TodaysArt 2014, Den Haag, New Media Gallery, Vancouver, 16th Media Art Biennale WRO 2015, Wroclaw, Piksel Festival 2016, Bergen, Perspektiven Attersee 2020, Attersee am Attersee, entre otros.
Ego Spanglish por Antoni Abad. Créditos: Dados Negros
Ego – Spanglish. Antoni Abad. 1999
Ego es una proyección por ordenador que utiliza un software de dibujo que permite al ordenador generar enjambres de moscas domésticas que zumban y revolotean por el espacio siguiendo patrones aleatorios.
Cada pocos minutos, varias docenas de moscas se agrupan gradualmente para deletrear una sola palabra en inglés o en español: «I», «Me», «Yo» o alguna variante de la primera persona del singular. Tan pronto como la palabra se convierte en legible, las moscas se dispersan hacia los márgenes de la pared de proyección antes de volver a reunirse.
Esta obra se presentó en 2001 en el New Museum de Nueva York.
Descripción técnica
Animación aleatoria por ordenador.
Antoni Abad (ES). Su trabajo ha evolucionado desde una práctica escultórica tradicional hasta el uso de las nuevas tecnologías, y en particular la creación de obras de arte basadas en la comunidad. Pasó también de la fotografía al videoarte, seguido del interés por los ordenadores Net.art. Utiliza Internet como plataforma de creación e investigación. Manifiesta el deseo de experimentación formal en torno a los conceptos de espacio y tiempo, siempre presentes en su obra, no exenta últimamente de ciertos aspectos irónicos y críticos.
Ha presentado su obra en la Fundació Joan Miró, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Bienal de Venecia, P.S.1. – MoMA, Centre d’Art Santa Mònica, MACBA, entre otros.
Obtuvo el Nica de Oro dentro de la categoría de comunidades virtuales en 2006.